En el trazo pictórico de Carmen Selma hay una expresión muy marcada que nos inquieta. No sabríamos decir muy bien por qué pero esos personajes que pueblan las escenas y que nos miran directamente, nos incomodan. El trabajo de Selma que vemos en esta exposición conjuga magistralmente dos cuestiones: el conocimiento profundo de la pintura misma y sus posibilidades, y la reflexión sobre lo que culturalmente nos conforma como individuos en la sociedad, como seres sociales, como comunidad.

Lo interesante del abordaje que Selma hace es su propia posición: crítica pero a la vez comprometida en reconocer aquellos ritos y tradiciones que forman parte de nuestra historia, en no perder la memoria, reivindicarla para entender mejor cómo somos hoy y en cómo podemos ser mañana. La reminiscencia de Goya es evidente, tanto en la pintura como en las ideas que la nutren, pero también se vislumbran referencias a pioneras como Paula Modersohn – Becker, precursora del Expresionismo alemán, ignorada por ser mujer. Y es que este es otro hecho diferencial en esta exposición: las mujeres que trabajan pintura siguen siendo dignas de admiración y reconocimiento. Una tradición como la pictórica, cargada de siglos de historia patriarcal, es tomada por mujeres como Modersohn – Becker o Selma para darle un nuevo sentido, subvertir su exclusión masculina y hacernos reflexionar como sociedad.

Retratos de grupo o individuales, escenas de familia, procesiones religiosas y populares, celebraciones, desnudos… el amplio imaginario de Selma está plagado de nuestra historia y de nuestra idiosincrasia, de una forma magistralmente expresiva, sugerente, crítica. Los espíritus del pasado con toda su presencia toman la sala de exposiciones. A partir de aquí, la reflexión es labor de cada uno de nosotros.

Semíramis González

Comisaria de exposiciones, gestora cultural historiadora del arte y feminista.
Para la exposición « El color también esconde sus sombras, (mi) pintura cargada de polisemia. A Ciegas Galería de Arte.

VERSION FRANÇAISE

La peinture comme expression de notre idiosyncrasie

Dans le trait pictural de Carmen Selma il y une expression très marquée qui nous inquiète. On ne saurait pas très bien dire pourquoi mais ces personnages qui peuplent les scènes et qui nous regardent directement, nous gênent. Le travail de Selma qu’on voit dans cette exposition conjugue magistralement deux questions : la connaissance profonde de la peinture même et ses possibilités, et la réflexion sur ce que culturellement nous forme comme individus dans la société, comme êtres sociales, comme communauté.

L’intéressant dans l’abordage que Selma fait est sa propre position : critique mais à la fois engagée en reconnaître ceux rites et traditions qui forment part de notre histoire, en ne pas perdre la mémoire, la revendiquer pour comprendre mieux comme nous sommes aujourd’hui et comment nous pouvons être demain. La réminiscence de Goya est évidente, autant de la peinture que les idées qui la nourrissent, mais on distingue aussi des références à des pionnières comme Paula Modersohn-Becker, précurseur de l’Expressionnisme allemand, ignorée pour être femme. Et ça c’est un autre fait distinctif dans cette exposition : les femmes qui travaillent la peinture continuent à être dignes d’admiration et reconnaissance. Une tradition comme la picturale, chargée de siècles d’histoire patriarcale, est prise pour des femmes comme Modershon-Becker ou Selma pour lui donner un nouveau sens, bouleverser son exclusion masculine et nous faire réfléchir comme société.

Portraits de group ou individuels, scènes de famille, des processions religieuses et populaires, célébrations, nus… l’étendu imaginaire de Selma est plein de notre histoire et de notre idiosyncrasie, d’une manière magistralement expressive, suggèrent, critique. Les esprits du passé avec toute leur présence prennent la salle d’expositions. À partir de là, la réflexion est travail de chacun de nous.

Semíramis González

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Orgullo 2020 MUJER LTB

Vírgenes o brujas.

Musas sí, artistas ni pensarlo.

La ración de hipocresía está servida.

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C’est un portrait de famille. Un portrait qui rappelle ces photographies du siècle dernier. Toute la petite famille prend la pose devant l’objectif, histoire d’immortaliser ses courtes vacances à la plage. Mes références, explique l’artiste, sont des anciennes photographies, à partir desquelles je devine ou j’imagine les histoires des photographiés, en m’appropriant leurs expressions et leurs gestes, contenus par des émotions ou des expériences vécues que se racontent en silence.

Et voici le souvenir d’un temps béni lors duquel la vie semblait avoir suspendu son cours inexorable. Souvenir d’un temps où les quatre protagonistes de cette peinture se tiennent dans un garde-à-vous un peu empesé ne faisant pourtant qu’un seule et même entité. Une petite famille normale : les parents et deux enfants. Déjà, dans l’image, le poids d’un avenir qui verra chacun partir peu à peu vers son destin. Une sourde nostalgie s’invite dans les couleurs choisies par l’artiste. Les traits des visages ne sont pas clairement définis comme s’ils s’estompaient dans sa mémoire. Quelques touches de peinture pour saisir ce qui peut l’être encore… Et nous autres, spectateurs curieux de tout, face à cette image, comme face à celles qui remplissent nos tiroirs (et maintenant nos ordinateurs)… Dubitatifs, amer ou impuissants… Le temps a fait son œuvre, et continue sa fuite en avant…

Carmen Selma expose á la Galerie de l’Ancien Courrier, à Montpellier (34), jusqu’au 6 octobre 2018.

Los peces del azul del cielo

Huile sur toile. 116 x 81 cm

Cet article est apparu à la page 48 du magazine Miroir de l’art, septembre 2018.

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Carmen Selma is a Spain-based painter. Memory is one of the fundamental pillars of her work. She has a particular interest in discovering the past, diving into it to try to understand the present. She believes that we cannot completely dissociate ourselves from the context in which we live, just as we should not dismiss the past. We catch up with the artist to discuss the influence of personal and universal narratives within her paintings.

A: Context plays a huge role within your works; could you discuss how history and personal narratives influence the pieces you create?

CS: For me, life and painting are inseparable. In order to begin my paintings, I followed black and white photographs – first my family’s pictures and then the ones found in markets or flea markets. To me, these pictures represent the individual and collective memory. They allowed me to dig deeply into people’s expressions and at the same time, their customs and traditions. They allowed me to determine a specific time; painting allowed me to scrutinise the world.

A: Why do you think that memory is such an important notion and how does it feed into your compositions?
CS: Amongst all the benefits that delving into memory has, there is one in particular that prevents us from future danger. Memory can teach us to improve our behaviour because it is capable of showing the mistakes that have been made as an individual or as a part of a society.

Therefore, I think that memory is a powerful and preventative weapon, but it is also extraordinarily reflexive: we are able to discover events that we were not aware of. These events can change the course of our lives, and in extension, the course of history. Memory, when used as a tool, can cause evolution in society and culture.

A: Do you think that identity is tied to memory, and if so, is this something that has also inspired your works?
CS: Yes, I think that making memories helps us to create our own identity, whilst at the same time not isolating us from the rest of the world. The approach I take within my works is a reflection on memory; I believe that viewers can access the artwork through contemplation in the present moment.

I found inspiration not only in this transportation through time, but in the Spanish Civil War and the subsequent Franco dictatorship. I believe it is something still close to the surface in society, and still a relevant issue. What I want to say is that the basis of this work is the connection between the past, present and future, a connection that can take place within any situation, either here, or in border countries or even in the self-controlling states where women do not have the right to go out alone in the street or show her eyes in public.

A: Why do you use painting as a manner of transmitting the importance of memory?
CS: We live in an apathetic era where we are constantly invaded by visual distractions. The majority of us are unfocused, trapped in a whirlwind of stimuli that takes us from one world to another, like a leaf blowing in the wind. These stimuli are, however, empty. They push us into the consumerist mechanisms of capitalism. Therefore, I see painting as a protest; I rebel and deny letting myself be devoured by these other stimuli.

A: How are the issues within contemporary society also present within your works, for example feminism and digital media?
CS: However unbelievable it may seem, the feminist struggle is still needed in contemporary society. In my recent works I replaced the vertical position of rigid bodies with girls, boys and women lying on the floor. Bodies that sometimes are without life stranded on the beach, in the forest or the pavement. These images are continuously materialised in mass media. However, we tend to think that it happens far away from us but what I fear the most from nowadays images is that they are the same pictures from the wars in the past. I ask myself whether something has changed.

With these new works, what I try to do is change the order but keep the same message: past, present and future are transformed into the present. I used to paint scenes from the past in order to talk about the present, but now I paint present scenes to lay out the question whether we have evolved or not.

A: How has your style developed? 
CS: Painting, as I said earlier, allowed me to see the world in detail. I found the best way to do this was through the expressionist or neo expressionist style, with the human figure as the main character. I see every painting as mean of attracting attention. But in my latest works the verticality of the characters has been replaced by the horizontal: bodies lying down, victims of the violence that surrounds us everywhere. The technique that I use mainly is oil on canvas. As time passes, I see this technique as more and more complex; a few years ago I was able to finish a picture faster, today the painting requires me more time and more thought.

A: How does the use of colour, texture and perspective bring to light all of the other underlying factors of your work?
CS: Colour, texture and perspective are the tools to construct a picture. Depending on the way in which we use them, the meaning of the painting will be one or the other. For myself, the application of paint is always visible: it appears in each brushstroke mixed on the palette, but also on the canvas. Through colour I can illuminate the subject. I use vivid colors and strong contrasts that exaggerate tragic scenes because the life is like that: violently contrasted.

Find out more about the artist: www.carmenselma.com

1. Carmen Selma, Serie Vencidos (1). (2016). Oil on Canvas. Courtesy of the artist.

Posted on 18 October 2016

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Que l’on ne s’y trompe pas: Carmen Selma est une artiste engagée. Si elle travaille a partir de photos de familles espagnoles ou de photos de groupes du milieu du XXe siècle – qu’elle colle pour constituer des fonds où quelle reproduit à sa façon – c’est pour mieux capter leur importance en tant que témoignages historiques et sociaux. Ses tableaux à l’huile et ses dessins au crayon et à l’aquarelle représentent des familles sur lesquelles pèsent le lourd poids de la politique et de la religion. Derrière une apparence très colorée, on sent la pesanteur des non-dites, l’absence des défunts décimés par le franquisme (suggérée par l’effacement des corps), mais également un constat sur la place primordiale de la femme dans le schéma familial. Dans ses oeuvres, les femmes sont fortes mais effacées ; elles ne se plaignent jamais.

Qu’elles soient issues de la bourgeoise ou (voir le saisissant “La Femme pot de fleurs”) ou du peuple, d’un tempérament discret ou révolutionnaire (comme celle de “Nous avons la richesse dans le coeur”). Carmen Selma leur rend un hommage appuyé, ainsi qu’à celles qui se sont battues pour l’accès des femmes au vote (voir le tableau “Le suffrage universel” aux tonalités très sombres, où les suffragettes gardent une posture vigilante). Pour que son pays et l’Europe ne reproduisent plus les erreurs du passé, Carmen Selma rappelle les errements des générations précédentes. C’est le cas dans le tableau “Salut sans futur”, dont les protagonistes effectuent le salut fasciste. Pour l’artiste, le futur et la paix passent par l’éducation, vecteur de changement et de réflexion. D’où ces tableaux réalisés d’après des photos de classe, où les fillettes portent des robes à col Claudine et les garçonnets des pantalons ou shorts à bretelles. Les mains sagement jointes, ils symbolisent le renouveau. Carmen Selma évoque aussi les rites et traditions espagnols, notamment la corrida, envissagée du côté des spectateurs, qui sont plus là pour être vus et bavarder entre eux que par réelle passion pour ce “spectacle”.

Dans les oeuvres de Carmen Selma, les couleurs revêtent une importance capitale. Leur usage est parfois inattendu, comme ce bleu et ce rouge pour répresenter les cheveux, et ce bleu puissant qui domine certaines toiles. La gestuelle picturale de l’artiste est déterminée, nerveuse, saccadée. La pâte est épaisse. On note la force évocatrice des regards de ses personnages, tantôt inquiets, méfiants, tantôt songeurs ou ennuyés. Les expressions des visages marquent également : moues, traits effacés, attitude d’attente. Les mains des protagonistes de ses oeuvres en disent beaucoup sur leurs états d’âme, leur rage, leur sérénité ou leur âge. Et par-dessus tout, la notion de famille et celle de solidarité ressortent de ses toiles. Une réflexion sur le statut social et une certaine forme de résignation aussi.

Virginie Moreau

Article dans l’Hérault Juridique & Economique

23 septembre 2014

ENGLISH VERSION

With Carmen Selma, Spain gets its portrait

Let there be no mistake: Carmen Selma is an activist artist. She works with pictures of Spanish families or groups from the mid-twentieth century – which she sticks together to constitute backgrounds or reproduces in her own way – in order to better capture their importance as historical and social testimonies. Her oil paintings and her pencil and watercolor drawings represent families upon whom politics and religion weight heavily. Behind a very colorful appearance one feels the weight of the unspoken, the absence of the dead decimated by Francoism (suggested by the wiping-away of bodies), but also the observation of the vital role of women in the family structure. In her works women are strong but effaced; they never complain.

Whether women come from the bourgeoisie (see the striking « La femme pot de fleurs ») or from the people, whether they have a discreet temperament or a revolutionary one (as those from « Nous avons la richesse dans le cœur »), Carmen Selma pays them a deep homage, as she does to those who fought for the right of women to vote (see the painting « Suffrage universel » with very dark tones, where the suffragettes remain in a vigilant posture). In order for her country and Europe not to repeat past mistakes, Carmen Selma recalls the errors of past generations. Such is the case of the painting « Salut sans futur », in which characters salute in the fascist style. To the artist, education as a driver of change and reflection is necessary to ensure a peaceful future. She thus produces these paintings based on pictures of school groups where little girls wear dresses with Peter Pan collars and little boys trousers or shorts with suspenders. Their hands wisely joined together, they symbolize renewal. Carmen Selma also evokes Spanish rites and traditions, particularly the corrida, as seen from the spectators’ point of view, who are there more to be seen and chat rather than out of a true passion for the « show ».

In the works of Carmen Selma colors play a vital role. They are used sometimes in a surprising manner, such as blue and red to represent hair, or that powerful blue which dominates certain paintings. The artist’s gestures are determined, sharp, jerky. The paint is thick. One feels the evocative power of her characters’ gazes, sometimes anxious, suspicious, sometimes dreamy or bored. The facial expressions are also striking: pouting, fading features, and attitude of waiting. The protagonists’ hands also reveal a great deal about their mood, their rage, their serenity or their age. And above all the concept of family and that of solidarity stand out in her paintings. A reflection on social status and a certain form of resignation too.

Virginie Moreau

L’Hérault Juridique et Économique Nº 3013 / 25 septembre 2014

VERSIÓN EN CASTELLANO

Con Carmen Selma, a España le hacen su retrato

No se equivoquen: Carmen Selma es una artista comprometida. Si trabaja a partir de fotografías de familias españolas o de grupos de mediados del siglo XX – que pega en sus telas y utiliza como fondo o que reproduce a su manera – es para captar su importancia como testimonios históricos y sociales. Sus cuadros al óleo y sus dibujos a lápiz y acuarela representan familias sobre las que pesan fuertemente la política y la religión. A pesar de una apariencia muy colorida, se percibe la gravedad de los tabúes, la ausencia de los difuntos diezmados por el franquismo (sugerida por cuerpos desdibujados), pero también el papel primordial de la mujer en la estructura familiar. En sus obras, las mujeres son fuertes aun desdibujadas ; no se quejan jamás.

Ya sean hijas de la burguesía (vean el impactante « La Femme pot de fleurs ») o del pueblo, de temperamento discreto o revolucionario (como la mujer de « Nous avons la richesse dans le cœur »), Carmen Selma les rinde un sentido homenaje, a ellas como a las que lucharon por el acceso de las mujeres al voto (ver el cuadro « Le suffrage universel » de tonalidades muy oscuras, donde las sufragistas se mantienen en una postura de alerta). Para que ni su país ni Europa vuelvan a reproducir los errores del pasado, Carmen Selma rememora las equivocaciones de las generaciones pasadas. Es el caso del cuadro « Salut sans futur »), cuyos protagonistas realizan el saludo fascista. Para la artista, el futuro y la paz pasan por la educación, vector de cambio y de reflexión. De ahí esos cuadros realizados a partir de fotografías de clase, donde las chiquillas llevan vestidos con cuello Claudine y los chiquillos pantalones o shorts con tirantes. Con las manos juntadas obedientemente, simbolizan la renovación. Carmen Selma también evoca los ritos y tradiciones españoles, especialmente la corrida, representada desde el punto de vista de los espectadores, que acuden más para ser vistos y charlar entre ellos que por verdadera pasión por el « espectáculo ».

En las obras de Carmen Selma los colores juegan un papel esencial. Su utilización es a veces inesperada, como ese azul y ese rojo que representan los cabellos, o ese azul poderoso que domina ciertas telas. La gestualidad pictórica de la artista es determinada, nerviosa, entrecortada. La pasta de la pintura es espesa. Transmite la fuerza evocadora de las miradas de sus personajes, a veces inquietos, desconfiados, a veces pensativos o aburridos. Las expresiones de los rostros también marcan : muecas, rasgos difuminados, actitud de espera. Las manos de los protagonistas dicen mucho sobre sus estados de ánimo, su rabia, su serenidad o su edad. Y por encima de todo, las nociones de familia y de solidaridad sobresalen de sus telas. Una reflexión sobre el estatus social y una cierta forma de resignación también.

Artículo en l’Hérault Juridique et Économique

Virginie Moreau

Nº 3013 / 25 septembre 2014

(Artículo original en francés : REF)

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Von Birgit Strasser-Huber

Carmen Selma

1980 in Spanien geboren, studierte die heute 33-jahrige Künstlerin an der Akademie der schonen Künste in Valencia Malerei. Carmen Selma ist seit mehreren Jahren nicht nur in spanischen Galerien vertreten, sondern auch im Ausland wie Österreich, Frankreich, Italien, Belgien und England.

Zentrale Themen ihrer Arbeiten sind die Familie, Kinder, die Spanierinnen in ihren Trachten, Volksfeste, der Stierkampf, Toreros, die Religion, Prozessionsbilder, die Politik. Auf den ersten Blick traditionelle Themen. Spanische Klischees ?

Doch wenn wir genauer hinsehen , so ! Osen die Bilder etwas Beunruhigendes in uns aus. Denn die Idylle trügt. An den Haltungen der portraitierten Personen, ihren aufgerissenen Augen, wird erahnbar, dass auf etwas an­ deres hingewiesen wird. Begeben wir uns auf die Suche danach wassich unter der Oberflache befindet.

Bines ihrer Bilder tragt den Tite!: Los efectos secundarios – Die Nebenwirkungen. In einem Lehnstuhl, mit nur wenigen roten Strichen skizziert, sitzt frontal zum Betrachter eine Spanierin in traditioneller Kleidung. Ihre überkreuzten FüBe, die im SchoB liegenden gefalteten Hande und ihr ernster Blick erzeugen einen sehr fromrnen Eindruck. Ihre starren Augen lassen uns tief in ihre Seele blicken und die Spuren erkennen, die diktatorische Zeit zurück­ gelassen hat. Eben die Nebenwirkungen: Angst, Traurigkeit, Starre, Entsetzen.

Bei den Vorbereitungen zu meiner Eroffnungsrede wurde mir bewusst, dass die Auf­ arbeitungsarbeiten des Bürgerkrieges und des Franco-Regimes nur zaghaft voran­ schreiten. Nach dem Tod Francos im Jahr

1974 gelang der friedliche Übergang Spaniens zur Demokratie. Allerdings unter­ blieb fast 30 Jahre lang eine grundlegende Aufarbeitung dieser repressiven Zeit. Erst seit der Jahrtausendwende scheint diese in Bewegung zu kommen. Die Vereinten Nationen sprechen von , nur schüchternen Schritten« . Die Versuche, die Archive des Regimes zu offnen, sind nach wie vor mit groBen Widerstanden verbunden. Auf der Suche nach verschwundenen Personen wünschen sich Experten eine bessere Zu­ sammenarbeit mit der Kirche, um Einsicht in Kirchenbücher oder Genehmigungen für Grabuntersuchungen zu bekommen.

Ich fühle mich erinnert an die Aufarbeitung der NS Zeit in bsterreich , die ebenso erst 40

Jahre nach ihrem Ende einsetzte.

Carmen Selma bedient sich eines Archives, um ihrem Anliegen nach Aufarbeitung nachzukommen – namlich ihres person­ lichen Archives.

Sie schreibt… .. »ich begann, alte Familien­ fotos in schwarz-weiss, die mir als Vor­ Iagen dienen sollten, zu durchsuchen. Ich wollte auch diejenigen Erinnerungen wiederbringen , die ich nicht selbst erlebt hatte, sondern die den Personen gehoren, die es mir ermoglicht haben , heute hier zu sein. Spater erweiterte ich meine Suche auf die Fotografíen anderer Familien und die damit verbundenen mal angenehmen mal weniger angenehmen Geschichten. Eines war jedoch allen gemein: Diese Fotografíen zeigten mir freimütig die Geschichte jeder Familie, jedoch auch die Vergangenheit dieses zuerst von einem Bürgerkrieg und spater durch eine militarisch-klerikale Diktatur über fast 40 Jahre hinweg geschundenen Laudes.“ Weiters schreibt sie: „Ich fokussiere mich darauf, den menschlichen Ausdruck zu malen, der die Emotionen der repressiven Periode reflektiert. »

Carmen Selmas Anliegen ist also die Aufarbeitung der Vergangenheit, der kritische Blick auf die Traditionen und Riten Spaniens. Dafür wahlt sie die realistische, figurative Malerei – eine angemessene Bildsprache, um Menschen in ihrer Absicht als Künstlerin zu erreichen. Ihr expressiver Ausdruck und das Sichtbarmachen der Schrecken einer Zeit – dafür kann man Francisco Goya als Vorlaufer ansehen. Als ihre Lieblingsmaler nennt sie Otto Dix, die deutschen Expressionisten und Schiele. Ihre bevorzugten Techniken sind 01 auf Lein­

wand, die Collage, Kreide und Aquarell.

So wie Carmen Selmas Themenwahl, wirkt auch ihre Malweise traditionell. Doch wenn roan das Formale naher betrachtet wird sichtbar, dass die Künstlerin die zeitgenossische Bildsprache aufgenommen hat. Elemente wie die unterschiedliche Dichte in der Ausführung, die hinunterrinnende Farbe über eine nackte Leinwand und das Ein­ fügen von Texten sind Phanomene der Moderne und finden sich auch in der Arbeit von zeitgenossischen Malerinnen wie Elke Krystufek. Diese Elemente storen die vollkommene Illusion – den Ausblick durch ein Fenster · den die klassische Malerei vorzugeben versuchte. Hier wird dem Betrachter die Herstellung des Bildes bewusst gemacht. Dei Arbeitsprozess des Künstlers bleibt ein sichtbarer.

Hatte die realistische Malerei einige Zeit nach dem 2. Weltkrieg an Bedeutung verloren, so wurden in den 70er Jahren mit dem amerikanischen Fotorealismus diese Tendenzen wieder aufgenommen.

Lucían Freud, einer der bedeutendsten figurativen Maler des 20. Jahrhunderts, hielt ab den 50er Jahren bis zu seinem Tod im Jahr 2011 konsequent an dieser Ausdrucks moglichkeit fest. Auch für ihn war es stets die realistische, figurative, expressive Aus drucksmoglichkeit, um an das Seelenhafte des Menschen zu kommen, sich den inneren Wahrheiten zu nahern. Diese Haltung verbindet Carmen Selma rnit Lucian Freud.

Der Beginn die Dinge zu benennen wie sie sind erfordert Mut.

Sie ansehen und verstehen wollen, sie betrauern und die Kraft daraus gewinnen, f ür die Zukunft etwas zu verandern das macht sie als Künstlerin für uns bedeutend.

15. Nov. – 6. Feber 2014

im spanischen Kulturinstitut in Wien

1 O1O Wien, Schwarzenbergplatz 2

Die Nebenwirkungen

Öl auf Leinwand, 195 x 97 cm, 2012

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